El lamento de Dido

Según relata la Eneida, con la caída de Troya, Eneas y los supervivientes, tras años de navegación, llegan a Cartago. En ese reino gobernaba Dido, la que les brindó una calurosa acogida. Dido y Eneas, gracias a la acción de Cupido y la alianza de Juno y Venus, comienzan inevitablemente a sumergerse en las aguas del amor. La decisión racional de los dioses sobre este amor queda argumentada por el interés de que Eneas se instalase definitivamente en Cartago.
Sin embargo, el destino de Eneas era otro diferente al de quedarse junto a Dido. Había nacido para fundar Roma. Ni el amor puede ser contrario al destino, ni puede luchar contra el peso de tener una tarea política. Fundar una ciudad sigue siendo más importante que amar, porque en aquella época el ser humano no es más que parte de esa ciudad, y no individuo de corazón y subjetividad.
De este episodio Henry Purcell pudo mostrar el lado trágico en su ópera Dido y Eneas (1682). Trágico en tanto que el deseo del amor se ve frustrado por unas circunstancias que hacen imposible que siga adelante, siendo estas circunstancias inmodificables e incuestionables.
Aquí les dejo con la parte final de esta ópera (representada por la compañía de Mark Morris), con el lamento de Dido al ver la inevitable partida de su amado.
Lloren pues para sentir ese ámbito trágico de ciertas caras de la vida, porque en él se refleja la verdad del ser humano.

Raimund Hoghe. Boléro variations

Ayer, 25 de octubre, pudimos observar en el Teatro Vascello la danza Boléro Variations del coreógrafo Raimund Hoghe. Él, tomando como base el Bolero de Ravel, pone en escena una vez más el diálogo de los cuerpos ante la cuestión de la belleza. Con gestos y movimientos que abrazan la señal de toda la anatomía humana, cuatro cuerpos masculinos -Lorenzo de Brabandere, Emmanuel Eggermont, Yutaka Takei y Nabil Yahia-Aissa- y uno femenino -Ornella Balestra- van mostrando las posibilidades y los límites de lo que se considera canónico: ¿contorsiones estáticas?, ¿quietud quebrada? No existe para Hoghe una forma que defina la danza a través de patrones, como tampoco existe un concepto que nos hable de la belleza. Sobre esto último reflexiona al dejarse caer intermitentemente en escena mostrando su fisionomía en diálogo con la de los otros. Hablamos de un jorobado de nacimiento que desde pequeño quiso y consiguió estudiar danza clásica.
NO EXISTEN LÍMITES EN EL DESEO, POR MÁS QUE QUERAMOS CREAR DEFINICIONES PARA TRANQUILIZAR NUESTRA RAZÓN. TODO CONCEPTO PUEDE SER PERVERTIDO DESDE EL INSTANTE EN QUE MARCA FRONTERAS. ¿NO PUEDE UN JOROBADO SER COREÓGRAFO? ¿NO PUEDE EL MOVIMIENTO SER QUIETUD? ¿O UNA PERSONA CON FALTAS DE ORTOGRAFÍA SER ESCRITOR? TODO AQUELLO QUE DEFINE FORMAS, HACE QUE LO INFORME INVADA LA PROPIA FORMA. POR ELLO HA EXISTIDO EN LA HISTORIA HUMANA EL ÁMBITO DE LO MONSTRUOSO.

Roma y los Tucanes

Un pequeño detalle romano que habla de la utopía

Mi precioso Tucán,

Teresita, ya lo sabes, anda por tierras de Italia. Roma ilumina sus paseos con la belleza de una ciudad que ilumina tanto como oprime en la vida consuetudinaria. Es ciudad eterna porque en ella sobrevivieron tantas épocas, pero también porque ellas crearon Formas (maldito concepto realizado) que se imponen ahora como una mano de hierro a la necesidad de llevar una vida Moderna y no poder realizarla.
Belleza y repulsión, sí, quizás así es cada día, una simple catarsis estética llevada a los límites. Quizás, incluso, sea esa catarsis, de forma más moderada, la que habla de la vida humana.
Y sin embargo, entre tanta belleza, saltimbanqueando con la cola por las ruinas del Coliseo, Teresita echa de menos el Palmerar: sus clases, la casita de madera con el calor de tu ala, tus abrazos, los gestos emotivos de Carlota en Tabarca, nadar con los pececitos rojos entre corales, y estar con todos los revolucionarios o héroes que luchan por sus ideas dando su ser a través del trabajo o colaboración en una sociedad.
QUIZÁS LA UTOPÍA NO ESTÉ EN EL PARAÍSO, SINO EN EL CAMINAR DE CADA DÍA, A CIEGAS O SIN APENAS PERCATARSE, ATRAVESADOS POR UNA REALIDAD QUE FALSAMENTE CREEMOS CONDENA.

Instituto de la Mujer

Un día como hoy, en 1983, se creó en España el Instituto de la Mujer como entidad autónoma desde el punto de vista económico, ideológico y social. Con él se pretendió dar pie a la reflexión y la defensa de la igualdad en todos sus términos. Tal como dice el artículo segundo de su legalización: El Instituto de la Mujer tiene como finalidad primordial, en cumplimiento y desarrollo de los principios constitucionales, la promoción y el fomento de las condiciones que posibiliten la igualdad social de ambos sexos y la participación de la mujer en la vida política, cultural, económica y social.
Un propósito que con el paso de los años se va haciendo cada vez más real, y que, a pesar de las dificultades, puede sentir la plenitud de haber contribuido a una igualdad que en tan pocos años se ha conseguido en España, adelantando incluso a países más viejos en su pertenencia a la Unión Europea.
Dictum est de una servidora preocupada especialmente por la temática, que tuvo la fortuna de nacer casi al tiempo de la creación de esa entidad, que ha vivido países radicalmente desiguales con respecto a la mujer, y que a día de hoy observa de cerca el tradicionalismo atroz que marca las relaciones de género en Italia.

Museos capitolinos

Venus capitolina

Venus Esquilina

Miren ambas imágenes antentamente. Las dos se encuentran en los Museos Capitolinos de Roma. Son tan parecidas y a la vez tan distintas. Mírenlas como las miraban los viajeros que se acercaban a Roma. Piensen la época en la que quieren vivir, y mírenlas como si fuesen de esa época. Entonces, sólo entonces, entenderán qué estoy haciendo por tierras romanas. ¿Pueden decirme qué ven?

Lucrezia Marinelli

Un día como hoy, en 1653, murió Lucrezia Marinelli, filósofa y mística italiana. Aunque esta autora dedicó gran parte de su escritura a los textos religiosos, siguiendo la corriente mística italiana de la época, la importancia que se le da hoy día viene de su obra: La nobiltà et eccellenza delle donne, co' difetti, e mancamenti de gli uomini, escrita en 1600. En ella, Lucrezia hace una defensa de la mujer y su dignidad, respondiendo así al texto escrito por Giovanni Passi, I donneschi diffetti, en el cual generalizaba cuáles eran las cualidades femeninas despreciables, para así poder justificar el ejercicio de la desigualdad y las relaciones de poder. La respuesta de Lucrezia no es otra que la descripción de las vidas y quehaceres de mujeres ilustres de la historia, que demostraban que las mujeres no eran defectuosas.

Pelléas et Mélisande. Claude Debussy y Anish Kapoor

En abril de 1902 quizás Émile Zola pudo asistir a su muerte en el estreno de la representación de Pelléas et Mélisande en la Opéra Comique de París. Un tal Claude Debussy puso música a la historia inspirada en el Canto V de la Divina Comedia. Así se abría paso a una tragedia amorosa en la que el espectador, mientras se iba perfumando al enredarse pasionalmente entre los largos cabellos de Mélisande, comenzaba a aprender las vicisitudes de los sentimientos, que vivían más allá de toda voluntad.
Y la obra llegó al Teatro dell'Opera en Roma, imaginada en el ensueño de Anish Kapoor, que construye un escenario de arquitectura orgánica en el que las pasiones amorosas de la tragedia llegan a arrebatar alguna lágrima del espectador.

No se la pierdan allá donde estén.

Libreto: http://www.geocities.com/Vienna/Choir/7652/pelleas/libreto.htm

Antonio Muntadas

Hoy tuvimos la suerte de escuchar, en la Academia Española de Roma, una conferencia de Antonio Muntadas en torno a la intervención del arte en el espacio público. En ella, Antonio mostraba una pequeña parte de su obra que trataba de establecer un diálogo entre la urbe, el urbanismo, la arquitectura y el arte. Para él, el artista, partiendo de la multiplicidad de disciplinas, debe elaborar obras que se introduzcan con sigilo en la vida de los ciudadanos; obras que pasen desapercibidas porque se introduzcan en sus quehaceres diarios. Así, reaccionando en contra del arte monumental, que invade el espacio público con grandes obras que los ciudadanos no eligen, y que no son capaces de asimilar dentro de la cotidianeidad -véase las actuales tendencias arquitectónicas de crear grandes edificios visibles, que en gran parte de las ocasiones no optan por la funcionalidad-, Antonio habla del arte AntiMonumento, un arte efímero que desaparece con la lógica de la fugacidad de la vida humana. A fin de cuentas, se trata de que el espacio público esté perpretado por un arte que entienda la propia configuración de la habitabilidad de ese espacio.
Aquí arriba les dejo algunas de las obras, que en una imagen quedan poco definidas

Grazia Deledda

Un día como hoy, en 1871, nació en Cerdeña la poetisa y novelista italiana Grazia Deledda. Realista, sensible, su poesía versa sobre el amor, el dolor o la muerte. En su trasfondo se mezclan la cultura sarda y la italiana, a través de la creación de un lenguaje que tensa la palabra, mezclando vocablos de su lengua madre y de la estándar. Una escritora que habla en la lengua de los grandes periplos hacia las bellas tierras de Italia, y que por ello recibió en premio Nóbel de Literatura en 1926. Les dejo aquí con un fragmento de su obra:

Adesso Cosima aveva quattordici anni, e conosceva dunque la vita nelle sue più fatali manifestazioni. Ma nonostante quella paura misteriosa della fatalità che si era annidata nel suo cuore, poiché questo cuore era poi fisicamente e moralmente forte, ella aveva ereditato dal padre e dagli avi paterni, quasi tutti agricoltori e pastori, quindi patriarcalmente unici alla terra e alla natura, un fondo di bontà, d'intelligenza, di filosofia, e sentiva profonda la gioia di vivere.

Durante l'infanzia aveva avuto le malattie comuni a tutti i bambini, ma adesso era, sebbene gracile e magra, sana e relativamente agile e forte. Piccola di statura, con la testa piuttosto grossa, mani e piedi minuscoli, con tutte le caratteristiche fisiche sedentarie delle donne della sua razza, forse d'origine libica, con lo stesso profilo un po' camuso, i denti selvaggi e il labbro superiore molto allungato; aveva però una carnagione chiara e vellutata, bellissimi capelli neri lievemente ondulati e gli occhi grandi, a mandorla, di un nero dorato e a volte verdognolo, con la grande pupilla appunto delle donne di razza camitica, che un poeta latino chiamò “doppia pupilla”, di un fascino passionale, irresistibile.

"Cosima"

Isidoro Reguera. "Viajeros Románticos a Oriente: Delacroix, Flaubert y Nerval"

ISIDORO REGUERA 19/09/2009. BABELIA. El País

Los escritos de viajeros ilustrados del siglo XVIII son prototipos de descripción analítica de hechos observados. Los de los románticos del XIX, de narración de una experiencia interior, tanto más fuerte si la provoca algo exótico: un curioso encuentro consigo mismo en la exterioridad y la diferencia; recolecciones egocéntricas de experiencias en busca de inspiración. Si a alguien, a pesar de su innegable interés, le resultan a veces un tanto embarazosas las efusiones íntimas de la literatura romántica de viajes, este libro le ayuda a sobrellevarlo. Un libro sabio e inteligente, de agradable y provechosa lectura además. ¿Por qué? Primero, porque obviando razonadamente a los pioneros y clásicos en la materia, Chateaubriand o Lamartine, elige muy bien los ejemplos de su análisis, todos ellos personalidades geniales, muy diferentes y características: Delacroix, el color "dantesco" del romanticismo; Flaubert, el gran "educador" crítico de la burguesía anodina, y Nerval, el "desdichado" vagabundo entre vida y sueño. Todos abren futuro: impresionismo, realismo, surrealismo. Y presentan diferentes modalidades de viaje, y narración suya: diario, correspondencia, novela, reportajes periodísticos y recopilación literaria de ellos. Segundo, porque enmarca viajeros y viajes, dentro de un contexto académico culto y sugestivo, en lo que hoy se llama "historia cultural", menos canónica y convencional, más real y efectiva para acceder al supuesto "espíritu" de una época que la acostumbrada. El hilo conductor es el enfrentamiento a la posición ilustrada o la polémica con el clasicismo en la búsqueda de nuevas formas, cuestión que abre Delacroix y siguen Flaubert y Nerval. Y los criterios de análisis giran en torno a tres conceptos ya de por sí atractivos: Viaje, Oriente y Romanticismo, cuya dialéctica resulta, además, brillante y esclarecedora. El Romanticismo, como un sueño melancólico que, ligado al pasado y al mito, imagina, sin embargo, revolucionariamente el futuro desde esa melancolía. Oriente: uno de los lugares privilegiados en el que se perfila la mirada ensoñada e idealizada del romanticismo; ese Oriente, del que, mucho antes, en 1160, otra visionaria, Hildegard von Bingen, decía en Tréveris "que ilumina al mundo entero y que es como el espejo de la luz". Y el Viaje mismo, que, incluso como metáfora, está en el centro de lo romántico: desde la orilla del mar friedrichtiano la mirada romántica se fija y expande en las nubes. Detrás de ellas queda Oriente. Sólo hay que salvarse del naufragio.

Viajeros románticos a Oriente: Delacroix, Flaubert y Nerval

Nieves Soriano Nieto

Universidad de Murcia. Murcia, 2009

383 páginas. 22 euros

Juan Antonio Ramírez

Hoy nos deja una de las personalidades más competentes en la Historia del Arte en nuestro país: Juan Antonio Ramírez. Licenciado en Historia del Arte y en Periodismo y catedrático de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid hasta la actualidad.
Nos deja con múltiples e interesantes publicaciones por las que ha recibido diversos premios: Construcciones ilusorias (1983), Edificios y sueños (1983), La arquitectura en el cine (1993), La metáfora de la colmena. De Gaudí a Le Corbusier (1998), Dalí, lo crudo y lo podrido (2002), Corpus solus. Para un mapa del cuerpo en el arte contemporáneo (2003), Escultecturas margivagantes. La arquitectura fantástica en España (2006) y la reciente El objeto y el aura. (Des)orden visual del arte moderno (2009).
También deja desolada la bella colección "Azul Mínima" de Siruela, de la que era director.
Pero sobre todo deja huérfanos a todos aquellos que pudimos aprender tantas cosas de este gran maestro.

Billie the vision & the Dancers

Quiénes de entre nosotros no hemos escuchado este verano la canción Summercat the Billie the vision & the Dancers. Y quiénes no nos quedaremos en esa canción, sin investigar nada más sobre el grupo, pensando que simplemente son unos saltimbanquis veraniegos. Sin embargo, en esta ocasión, la suerte nos hace bucear más en este grupo sueco, y podemos descubrir en ellos una música maravillosa. Fiesta, baile, alegría, tristeza, melancolía, a todo ello nos abre dedicarles un pequeño tiempo en nuestro caminar. Por fortuna, son un grupo realista con los tiempos que corren, contrarios a la intervención estatal en los privilegios musicales de unos pocos y en oposición a coartar la libertad de los individuos en sus caminos por la red. En fin, un grupo de los que se gana la vida con su trabajo -venta de discos y conciertos-, y no dedicándose a mamar de las ubres de entidades vaporosas. Así pues, tenemos el privilegio de introducirnos en su página web y descargarnos absolutamente gratis -y sin que nos hagan creer que somos delicuentes- toda su discografía canción por canción. Aquí les dejo con unos de los grandes descubrimientos del año, así como con uno de los grandes proyectos de futuro: http://www.billiethevision.com/music.php
Disfruten.

Estrella de Diego. Vacaciones

Henri Matisse, Le paravent mauresque. Philadelphia Museum of Art. 1921.

Vacaciones ESTRELLA DE DIEGO
BABELIA - 15-08-2009

Si, como yo, han tenido que quedarse en casa este verano, no desesperen. Piensen en los que se pelean en estaciones y aeropuertos, y disfruten luego de su rutina, tan agradable, en una ciudad vacía; piensen en unos museos llenos de obras donde pasar las vacaciones. Les propongo una fórmula para irse lejos sin sufrir las incomodidades del trayecto: viajar con la vista y la imaginación. ¿Qué tal mudarse un rato a un cuadro? A los que anden por Madrid les sugiero dos de mis pinturas favoritas para este verano, pero seguro que el resto tiene una obra especial en cada una de sus ciudades. La primera es la Anunciación de Fra Angelico en el Prado. ¿Ven los colores delicados, el contundente azul de ultramar salpicado de oro, la transparencia de los rostros, la escena prodigiosa, esas telas de una sutileza fuera de toda descripción? ¿Y el gesto y los arcos y la meticulosidad de las plantas? ¿Lo ven? De repente no hay nada más alrededor: es el encuentro con la obra, entrar en ella. La imaginación se va llenando de historias, conocidas o inventadas. ¿No es cierto que hemos viajado tan lejos como se pueda imaginar, en el tiempo?
Y, apenas unos pasos más allá, la segunda propuesta: el Biombo morisco de Matisse en la exposición de la Thyssen que con tanto acierto ha comisariado Tomás LLorens. Entremos. En este óleo cada lugar de lo cotidiano se ha vuelto exótico, ¿verdad? Las telas, las alfombras, el biombo mismo nos hacen soñar con países lejanos, pasiones de coleccionista, de harén, como las que expresa otras veces el pintor. Y ese espacio quebrado... Sorprendente. Cada cosa parece sostenerse inestable entre la densidad de tejidos. Pienso de pronto en el delicioso libro de Nieves Soriano, Los viajeros románticos a Oriente (Universidad de Murcia) : buen complemento para este viaje por la otredad su conversación con Delacroix o Flaubert.
¿Que han visto estos cuadros infinitas veces? Mejor. Se trata de acercarse de otra manera: sentirlos con los ojos. Porque mirar una obra, algo que parece tan obvio, es desdichadamente cada vez más raro -hasta creo que acabo de plantear una excentricidad para algunos-. Quiero que me enamore lo que veo, que me ofusque, que haga que mi corazón vaya deprisa cuando presiento el encuentro al ir avanzando por las salas. Lo confieso, me gustan los museos y las obras de los museos. Me gusta que las cosas me entren por los ojos apasionadas y violentas; que me quiten la respiración y me invadan la retina. Ya ven, así de antigua soy. Por eso no me gusta el nuevo Guernica: me parece un poco un cromo grande.
Aunque trato de mirar cada imagen con la misma intensidad -al fin y al cabo lo he aprendido todo de los libros de Abby Warburg, el historiador alemán que supo mirar sin jerarquías-. Pero, aprendiendo de Warburg, trato de distinguir entre un recorte de periódico y la Primavera de Botticelli -él lo hacía-. Sobre la pasión por mirar más allá de las teorías estériles y sobre el moverse cómodos entre "documentos" y "obras de arte" tratan los libros que acaban de publicar dos de nuestros más inteligentes historiadores. El primero, El objeto y el aura (Akal, 2009), muestra a un muy lúcido y sorprendente Juan Antonio Ramírez revisando el falso origen de la modernidad como un sistema sin sistema. El segundo, Estudios antiguos (Machado Libros, 2009) de Juan José Lahuerta, es una especie de apasionante historia visual a través del cuerpo, regresando a algunos de los temas más audaces que prometía su trabajo sobre Gaudí. No dejen de leerlos..., son una forma estupenda de irse de vacaciones mientras el vecino se consume en el atasco. Feliz verano.

Cuaderno 14 de la Fundación M. Botín: "Las ideas del arte. De Altamira a Picasso"

Ha salido a la luz el número 14 de las publicaciones de la Fundación M. Botín con el título Las ideas del arte. De Altamira a Picasso. En este libro se reúnen los textos correspondientes a las X Lecturas de la Fundación M. Botín que tuvieron lugar en julio del 2008. Con textos de Remo Bodei, Jean-Paul Colleyn, Francesco Dal Co, Estrella de Diego, Manuel González Morales, Francisco Jarauta, Juan José Lahuerta, Irving Lavin, Pedro Medina, Juan Antonio Ramírez y Delfín Rodríguez, y con un anexo de imágenes en color, se hace un recorrido a través del arte en sus diversas facetas que da luz a una reflexión contemporánea: la correspondiente a la historia de las ideas.
Aquí les dejo el índice en sus lecturas del verano:

1. IRVING LAVIN, "La(s) litografía(s) de "El toro" de Picasso y la historia del arte al revés".
2. MANUEL GONZÁLEZ MORALES, "Altamira como arte primitivo: un conflicto de mentalidades"
3. JEAN-PAUL COLLEYN, "La forma y lo informe en el marco de un culto bamana de Mali".
4. REMO BODEI, "Ante lo sublime: arte y naturaleza"
5. FRANCISCO JARAUTA, "A la sombra de la ninfa de Warburg".
6. JUAN JOSÉ LAHUERTA, "Pintura contra imagen".
7. JUAN ANTONIO RAMÍREZ, "La espiral del porvenir: Babel, Tatlin, Smithson".
8. FRANCESCO DAL CO, "El Museo Guggenheim: de templo del arte no objetivo a museo global".
9. PEDRO MEDINA, "Paisajes del acontecimiento. Modos artísticos de hacer mundo".
10. ESTRELLA DE DIEGO, "Manual para un turista triste".
11. DELFÍN RODRÍGUEZ, "Retratos sin rostro: sombras de artistas".

Ayn Rand

Recreándose con películas clásicas en el tiempo libre, uno descubre también mujeres que contribuyeron al desarrollo del cine a través de la filosofía y la literatura. Tal es el caso de Ayn Rand, rusa de nacimiento, que defendió, a principios del siglo XX, la filosofía que gustó llamar "Objetivismo". Ésta expone un sistema que se podría resumir de la siguiente forma. Desde el punto de vista del conocimiento, es defensora de la Razón humana. Desde el punto de vista de la metafísica, es defensora de la existencia de una realidad objetiva que puede ser conocida por el ser humano a través de su Razón. Éticamente hablando, es defensora de la defensa radical de los actos del individuo frente a los actos impuestos por la sociedad. Y políticamente hablando es defensora de la estructura basada en la economía del capitalismo más radical del dejad hacer, dejad pasar. Esto es, se posiciona en contra del intervencionismo del Estado en las decisiones político-económicas de los individuos.
En cierta medida, para Ayn Rand es suficientemente social la aportación individual de un ser humano creativo, a pesar de tener que ser defendida en su individualidad, en tanto deja a la sociedad y a su futuro lo que ha creado.
Sobre Ayn Rand tenemos múltiples obras. En cuanto a las filosóficas, en castellano puede leerse La virtud del egoísmo. En cuanto a las literarias, si acaso más sugerentes que las filosóficas en tanto que las aplica a un contexto ficcional determinado, podemos leer El manantial y La rebelión del Atlas. Sobre la primera de estas dos se hizo una adaptación cinematográfica dirigida por King Vidor, protagonizada por Gary Cooper y Patricia Neal, y cuyo guión fue adaptado por la misma Ayn Rand. Una gran aportación que podría resumir su filosofía es la defensa que hace Gary Cooper de sí mismo en la última escena:

Chantal Maillard

Ardo, y no sé decir
hacia dónde me proyectan las llamas,
que no son llamas sino un puro arder en mí
que me impulsa hacia fuera, o
hacia otro adentro. Ardo,
y me adentro en la fuente ardiente,
ese centro de amor que fuerza a derramarse,
y es dolor no saber dónde termina, dónde
descansar o anonadarse, perderse en el vértigo.
No hay término, no hay quién,
hay tan sólo recodos que devuelven a lo mismo.
No hay en quien terminar de arder:
todos son transparentes.
Paso a través de ellos
sin hallar otro fin, o la compuerta,
o la paz definitiva.
El gozo es dolor porque es puro proyecto.
Las llamas sólo podrán disolverse
en sí mismas. Soy
un animal enloquecido que danza sobre el fuego
de su propio nacimiento, mis pies
arrancan de la tierra y en la tierra late
el eco de mi propio latido.
Voy supurando amor
por todas mis heridas y no creo,
ya no puedo creer
que el ansia de infinito
se cure indagando en la llaga.

(De Lógica borrosa)

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Conjuro para andar de espaldas a uno mismo

Siempre creí que avanzar se lograba
poniendo un pie delante de otro y luego volviendo a empezar,
pero no sé por qué, siguiendo este procedimiento,
siempre acababa más lejos del punto al que me dirigía.
Avanzar hacia un hombre en línea recta
era la forma más segura de perderle de vista;
correr hacia un objeto delicioso bastaba
para abrir un vacío proporcional a su atractivo.
Si quería tocar la nieve en la montaña
e iniciaba el ascenso con la vista en las cumbres,
me hallaba descendiendo un valle tibio y fértil
con tímidos arroyos de glaciares.
Y si me sumergía pensando atravesar
a nado cualquier río, desembocaba, inevitablemente,
en el lugar exacto de donde había partido.
Fue doloroso comprobar cuánto de cierto había
en las palabras del sabio Zenón;
no eran para mí ninguna paradoja
sino una evidencia que debía asumir:
nunca saldría disparada
la flecha que apuntaba al blanco;
yo nunca lograría llegar de esta manera
donde ponía el ojo o el deseo.
Tampoco lo logré siguiendo
los consejos de un célebre filósofo versado en matemáticas:
ni describiendo una elíptica breve,
ni caminando en zig-zags o en círculo
dejaban de escaparse las cosas que anhelaba,
vaciarse los lugares y los escaparates
o borrarse del mapa de mi mano
los posibles amantes o destinos.
Debí desesperarme. Debí perder las esperanzas.
Y supe que era bueno.
Probé a mirar de soslayo las cosas y a los seres que amaba
a asomarme a su mundo sin ninguna intención.
Me puse a caminar de espaldas a mí misma
y de repente el mundose demoró en mis manos.

(De Conjuros)
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Llevo acostada largo tiempo
en la orilla. Mis pechos
son colinas cubiertas de hoja seca.
Levanto la cabeza y me contemplo:
en mis muslos el vello a punto de ser vello,
me incorporo: la hierba a punto de ser hierba,
doy un paso y despierto al agua
a punto de ser agua,
se asusta un ave negra a punto de ser ave a punto
de ser negra...
Un resplandor me ciega:
el bosque me contempla, a punto de ser bosque,
a punto de ser tuya.

(De Hainuwele)